Pursuit arrive donc à point, après un single offert, après quelques clips pas forcément viraux mais très réussis. Le disque est dans cette veine : très réussi. Avec plusieurs titres notables bien répartis sur l’ensemble de l’album, on évite la lassitude. Ainsi, qu’il s’agisse de Brother (excellente entrée en matière), Bandruptcy, Criminal, Pursuit, le rock distillé par Stuck In The Sound accroche les oreilles et fait s’agiter les pieds (au moins). Enervé juste comme il faut sur la durée, aguicheur mais pas trop sur ses titres un peu plus pop (Let’s Go, Tender), Pursuit bénéficie d’une articulation sans faille. A découvrir si ce n’est pas encore fait.

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On aurait voulu que derrière le buzz, derrière le phénomène, derrière la hype, derrière l’emballage marketing évident et assumé, se cache quelque chose de nouveau, de surprenant. On aurait voulu contredire les contradicteurs, les haters, les détracteurs avec un album qui les fasse taire et reconnaître que Lana Del Rey c’est une véritable artiste et pas un simple personnage.

Il n’en est rien.

Born To Die, c’est l’album surproduit auquel on a tenté d’insuffler une âme, de préférence avant sa sortie, pour camoufler le subterfuge. La voix envoutante de Lana Del Rey — son produit d’appel, en quelque sorte — se retrouve noyée dans des titres où les arrangements finissent par distraire l’écoute au lieu de la renforcer. Les carillons, échos et autres réverbérations sont autant de couches de maquillage sonore pour tenter de nous faire refuser la terrible vérité : Lana Del Rey, c’est creux.

On y avait pourtant cru. L’entêtant Video Games (hors prestation live), le séduisant Blue Jeans… et puis quand même le côté très pop de National Anthem qui commençait à nous mettre la puce à l’oreille. Et au  final, quand l’album Born To Die débute par le titre éponyme Born To Die, on se dit qu’on a déjà fait le tour. D’autant que les titres que l’on ne connaissait pas n’ont rien de marquant, à l’image de Carmen et son intermède chanté en français, tellement cliché. On gardera une petite mention pour Summertime Sadness qui, à l’instar de National Anthem, ne cherche même plus à masquer la soupe populaire que la production tente de placer. Un acte d’honnêteté que l’on saluera.

Le verdict sur Lana Del Rey est donc tombé, comme on s’y attendait, à la sortie de l’album. Qui tombera vraiment dans le panneau ? Car finalement c’est assez clair, Born To Die porte terriblement bien son nom : c’est un disque mort-né.

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Pour ce nouvel album, malheureusement, la recette ne prend plus. Something semble avoir plusieurs trains de retard en ne faisant absolument pas évoluer le groupe sur un registre qui depuis a été largement exploité par d’autres. Pire : on a la désagréable impression d’entendre la même chanson se répéter sur une bonne première partie de l’album. Il faudra l’originalité du titre Amanaemonesia pour réveiller sensiblement l’auditeur, et tant mieux car il s’agit de l’un des singles choisis. Mais la gentillette pop que dégage Something semble insuffisante à lui donner de la profondeur et à l’empêcher de se faire rapidement oublier.

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D’abord, il n’y a pas de fausses promesses. L’album débute avec une intro de 2 minutes, rampe de lancement pour l’un des premiers moments forts, le titre Child. A partir de ce moment tous les fans de la première heure auront compris l’évolution du groupe, et elle est admirable. Le disque est capable d’aller chercher des auditeurs avec des pistes que n’auraient pas renié Muse (Ayla) ou Coldplay (Heave), tout en imprimant sa marque sur d’autres, comme Go ou l’emblématique Forever I’ve Known. A côté, des morceaux poussés en single comme Pelican passe pour des titres de seconde zone, et si la mutation du groupe a réussi sur vous ils vous sembleront trop “rétro”.

Avec Given To The Wild, The Maccabees signent leur album le plus charismatique. Poussés par de bons conseils, ils ont décidé d’élargir leur registre au public sans pour autant tomber dans des compositions trop pop. Bien au contraire, l’album est un subtil mélange de sonorités séduisantes et de côté intime et réservé, comme rarement on en entend. Le résultat est excellent.

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C’est probablement dans cette simplicité que Fleet Foxes trouve son succès. Le groupe de Seattle enchaîne les titres mélodieux, très vocaux, avec de nombreuses petites envolées. Le brillant et épique The Shrine/An Argument (plus de 8 minutes) est le parfait symbole du disque. La guitare acoustique y est très présente avec l’inévitable Robin Pecknold qui posé sa voix quasiment sur la continuité (sauf le pur instrumental The Cascades). Mais avouons-le, on aime aussi quand Helplessness Blues s’énerve un peu (tout est relatif) comme sur Sim Sala Bim où ça gratte un peu plus vite et fort sur les cordes. C’est pourquoi, même avec tout le bien que l’on pense de Fleet Foxes, on aura du mal à le passer autrement qu’en hiver.

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Fort heureusement, Pumped Up Kicks ne se retrouve pas seul sur Torches. Une tripotée de pistes — pas forcément du même niveau, c’est vrai — agrémente le disque et son ambiance pop-rock dansante imparable. Personne ne s’y trompera puisque ces pistes sont aussi sorties en singles : Helena Beat, Call It What You Want, Don’t Stop (Color On The Walls). Si vous êtes attentif vous constaterez que l’on vient de citer les quatre premiers titres de l’album, ce qui peut révéler des lacunes sur toute une seconde moitié de Torches. Perdu : Houdini viendra rejoindre ses amis, et d’autres morceaux se révèlent très intéressants par leurs sonorités, comme Waste qui penche un peu du côté de MGMT, ou Life On The Nickel.

Torches est donc un album très réussi, qui rend confiant sur la suite des événements concernant Foster The People. Le groupe semble avoir déjà conquis toutes les tranches d’âge (y compris les plus jeunes) ce qui lui assure un soutien bienvenu pour le prochain album.

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A ce titre, El Camino est ultra-prévisible : il agit comme un rouleau compresseur, dès son premier titre Lonely Boy à l’efficacité incontestable.

El Camino, ce sont donc 11 titres calibrés pour rythmer n’importe quelle situation. Peut-être que les plus exigeants trouveront quelques réutilisations ou recyclages de ce que le groupe nous avait déjà offert par le passé… Mais cela n’enlèvera rien à ce constat : The Black Keys offrent encore une fois un très grand album rock.

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The Year Of Hibernation se veut être un journal intime selon son auteur, et s’écoute comme tel, en une seule traite, comme si l’on découvrait par hasard le carnet personnel d’un inconnu et qu’il fallait le parcourir rapidement avant d’être démasqué. Cette urgence contraste évidemment avec la musique du disque : un piano, un peu d’électro pour quelques effets et rythmiques, et une voix venue d’ailleurs, magnifiée par des réverbérations qui enlacent complètement l’auditeur (casque de très bonne qualité ou installation sonore spatiale sont fortement recommandés lors de l’écoute).

Qu’il s’agisse de Posters, Cannons, 17 ou encore Montana (pour les plus marquantes), les pistes de The Year Of Hibernation s’enchaînent de manière tellement naturelle que l’on craint le sacrilège si l’on doit interrompre en cours de route. Assurément l’une des sensations de 2011.

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Il est donc aisé de reprendre les qualificatifs attribués à Florence Welch la dernière fois : une voix charismatique, puissante et mélodique, servie par des musiciens maîtrisant rythmique et envolées instrumentales.

Ceremonials se montre encore plus généreux que son prédécesseur, servant pas moins de 21 pistes dans sa version 2 CD, parmi lesquelles évidemment on trouvera des démos, mais l’ensemble se montre tout de même bien copieux. On se laissera emporter immédiatement avec Only For A Night et tout le combo de titres suivants (Shake It Out, What The Water Gave Me, Never Let Me Go et Breaking Down). La suite se veut un peu plus calme ou moins inattendue, à l’image de Seven Devils ou Heartlines.

Florence + The Machine poursuit sa route avec aisance. Le style est affirmé et confirmé. Mais l’on sent que le groupe ne va pas en rester là, et c’est avec impatience que l’on attend le prochain virage.

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On replonge tout de suite (avec Can’t Fish et Cold Black Kitty) dans l’univers du groupe notamment grâce à la voix de Thomas Sanders et aux guitares affutées de la formation. Et si certains titres sonnent autant 2008 que 2011 (Little Gun, Washing Powder, Things That Go Bump), d’autres (Come To The Bar, Winter 1, United) donnent résolument une nouvelle tournure à Pete And The Pirates.

Tout comme son prédécesseur, One Thousand Pictures est un album rock percutant et diablement efficace. On reste toujours autant accroché au style du groupe.

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